Imagen en movimiento en las vanguardias

FUTURISMO

Esta influenciado por los descubrimientoss científicos y técnicos de la época como el teléfono, el automóvil, el tranvía, avión y cinematógrafo a partir de los cuales la concepción del tiempo se modifica. El futurismo celebra la velocidad y la industrialización.
Retrataban el movimiento, había un tratamiento de la imagen más cercano a la pintura que a la fotografía, sin guión, descomposición temporal y espacial.

Dice el Manifiesto: “el cine, en tanto arte autónomo y esencialmente visual, debe asumir la evolución de la pintura, apartarse de la realidad, del registro fotográfico de lo solemne o lo gracioso. Debe ser anti-gracioso, deforme, impresionista, sintético y dinámico.” 

"Vita futurista" Analdo Ginna
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DADA

Movimiento que protesta contra el sagrado concepto histórico del arte.  Molestar a la burguesía tradicionalista. Trabajaron la poesía visual, poesía fonética, edición de revistas. Su postura política era pacifista -nihliista - anarquista. Hacían énfasis en el proceso y en la obra sin sentido aparente.

"Emak Bakia" Man Ray
"Anematic cinema" Duchamp
Bragaglia
Rene Clair
V Eggleling
Fernand Léger

Se buscaba que el espectador construyera sus propias metáforas, utilización de figuras gométricas, narrativas no lineales, contacto con las artes dramáticas.


SURREALISMO

La exploración del sueño como proceso de creación artística. Retrataban sueños, delirios, utilizaban una narrativa no lineal.
Automatismo puro psíquico, que expresa el funcionamiento real del pensamiento lejos de racionalización y ajeno a las preocupaciones morales y estéticas.

"La caracola y el reverendo" Antoni Artuad
"Un perro andaluz" Buñuel

hans ritcher ghosts before breakfast

ACCIONISMO VIENÉS

Un respuesta el fascismo, ejemplificada como el comunismo transgredía la individualidad y su cuerpo.

Otto Muhel
Herman Nitsch
Günter Brus

El accionismo vienés fue un nombre que se le dio a un conjunto de acciones realizadas por artistas aunque ellos no se definían así mismos como un grupo.Tenían en común el cuestionamiento y ridiculización a los métodos y estrategias mercantiles del arte dentro de los contextos capitalistas y comunistas. El arte aceptado por el estado no es arte.

Kurt Kren realizó la mayoría de los filmes donde se mostraban imágenes de las acciones (aktion) en las cuales se utilizaba el cuerpo como soporte. Eran acciones con contenidos sexual, sádico, violentas, escatológicas.

"El ojo que ve la mierda" El ojo es capaz de verlo lo que no nos deja ver es una palpitación interna - Bataille "La historia del ojo"

FLUXUS


La vida como el arte / el arte como la vida
Se traslada el enfoque del objeto a la situación. Promover un ambiente sociocultural donde se creará una experiencia estética enfocada en reducir la distancia del público y el artista. Les interesaba alejarse del mercado tradicional de las galerías. Borrar o deformar el uso o destino de las cosas

Happenings
Proyecciones cinematográficas sobre pantallas móviles, ambientes construidos por monitores, televisiones incendiadas y balaceadas

Se comienza a utilizar el video.
 Nam June Paik
Wolf Vostell

Se cuestiona la televisión como medio de progreso, se le consideraba como una herramienta de manipulación ideológica y promotora de la pereza.

apropiación

Si hablamos de apropiación en el arte debemos hacer una distinción sobre el material apropiado. Por un lado tenemos la apropiación de recursos visuales no relacionados directamente con el arte (periódico, revistas, posters) y por otro la apropiación de imagen derivadas de obras de arte. Aunque cabe aclarar, que cualquier apropiación de imagen existe como consecuencia de la capacidad de la reproductibilidad de la imagen.



W. Benjamin identifica el aura con la singularidad




Dadá

Cubismo

En los años cincuentas, la Internacional Situacionista utiliza el término Détournement en español tergiversación para referirse a una técnica que se basa en tomar una obra de arte, objeto político, contenido de medios masivos o fragmentos de estos para generar contenido nuevo. Al intervenir dicho material se distorsiona su significado y aparece la crítica.

Pop art

Hakim Bey Terrorismo poetico

La trasvanguardia italina en los años 80s utiliza el método "pastiche" en el cual se apropian de estilos de movimiento artísticos principalmente del manierismo, barroco, renacimiento.


Escritura no-creativa:la gestión del lenguaje en la era digital" del autor Kenneth Goldsmith,

moodboard

Video de Jon Satrom

Roberto Bolaño

instalaciones con pantallas y dispositivos electrónicos

Alexei Shulgin

Jon Satrom 

Cory Arcangel

Cory Arcangel

Sobre el título / en fotografía

Es curioso el hecho de que las piezas, trabajos, producción visual lleven nombre, supongo que para comenzar existen con fines prácticos  y se han convertido en un elemento estético.

Hay varios puntos interesantes sobre el hecho de nombrar una pieza

Sucede que el autor otorga un título el cual funciona como una síntesis de lo que verás. Por ejemplo en pintura cuando los títulos eran "El mito de tal" . En ese la imagen desarrolla el título, como una narrativa.

Luego, el título "explica" la pieza- Puedes o no entender la imagen pero el título te avisa que es sobre -algo-. Como si fuera una especie de pista que el autor pone para que no te pierdas su gran idea.

En estos casos, el título es un elemento externo pre imagen.
¿Como sería una pieza en la que el título fuera parte inherente a ella.?
 Supongo que eso es lo que estaba tratando Duchamp con "Anticipo de un brazo roto" en 1915.

Aun en esta pieza no siento que el título sea parte de ella, supongo que la sensación viene de el hecho de que el texto son palabras. Las palabras tienen una carga muy compleja. Son interpretables a un nivel muy diferente al de la imagen. Aunque en esta imagen la interpretación del texto complementa a la imagen. Si no sabes para que es ese instrumento el título te dice que es para la nieve, como un acertijo. Si aquí el título es parte de la obra entonces esta pieza es -mixed media- el texto y la imagen son la obra.

En esta pieza funciona el título porque es justo de lo que esta hablando, el arte es su medio para hablar de un tema relativo al arte, el título.

 Sin embargo en una foto, pintura, vídeo, no me queda claro que tan necesario es un título.

Otro aspecto extraño de los títulos para las imágenes es que los vemos aparte de la imagen, por ejemplo en el museo en las fichas técnicas o cuando consultamos piezas en Internet, podríamos perder de vista el título y quizá nos perdiéramos de todo el asunto.
Es curioso que existan piezas las cuales dependan o estén estrechamente ligadas al título y otras que éste no tenga ningún tipo de valor o incluso no tengan uno.

Cuando se trabaja sobre las características básicas de la imagen que es forma y color, el título no tiene mucha relevancia. Esto lo identifico sobre todo en la pintura, pero de alguna forma creo que en la fotografía tiene más sentido incluir un título.Sospecho que puede ser por el hecho de que la foto implica un lugar específico que es captado, siempre es un momento, un instante cuando es creada. En la pintura, una pieza puede tardar años en ser producida y el tiempo se marca en la propia obra, con la pincelada, con la acción. En la foto ese tiempo y espacio existe como una especie de dato. También puede ser, como mencioné arriba que el contenido de la imagen sea una narrativa, que nos este contando de un momento real, algo que paso, que existió.

En esta imagen de Bas Jan Ader de 1970 tenemos texto sobre la fotografía. El título de fotografía está escrita sobre ella."Im too sad to tell You". En este caso creo que el título no es necesario, es decir si la pieza fuera un Untitled no cambiaría en la interpretación de la obra, Aunque evidentemente en esta foto se ve a un hombre muy triste, el texto nos reafirma que el hombre esta demasiado triste y el título de la fotografía podría re reafirmarnos que de hecho el hombre esta demasiado triste para contarlo. También aquí el título complementa la obra pues te lleva casi inevitablemente a preguntarte qué es lo que tendrá a este hombre tan triste? Y la fotografía te esta invocando a otra imagen, aparición, idea, recuerdo, de algo que causaría este nivel de tristeza.

En mi producción me es difícil nombrar las piezas, sobre todo la pintura, siento como si mintiera cada que les nombro de una manera. En la imagen digital no existe ese problema ya que es imposible tener una imagen que no tenga titulo, osea el nombre del archivo.

El nombre del archivo en la imagen digital ............... 

john maeda

Jim Campbell

Color by Number de Jim Campbell es una instalación que consta de dos proyecciones, dos pantallas LCD y electrónica, la cual consiste en dos campos de color cambiantes de 4 x 4 pies incrustados en la pared. El color que se proyecta en estos campos proviene del escaneo  pixel por pixel de una imagen fija que se exhibe justo enfrente de éstos en una pequeña pantalla LCD. 

(click aquí para ver el video)

Mitsuo Katsui

Andy Goldsworthy

Revisando la obra de Andy Goldsworthy, su manera de trabajar y sus intereses, pude encontrar algunos puntos en común y diferencias con mi trabajo que me aclararon algunos puntos específicos sobre mi interés en el paisaje.

Andy Goldsworthy, Carefully broken pebbles scratched white with another stone, 1985.

La intención de Andy Goldsworthy al trabajar directamente con la naturaleza es encontrarse con los materiales que esta contiene y tener una experiencia de conocimiento cerrado muy personal al observar, tocar y manipular. El autor se introduce en un espacio específico en el que realiza sus intervenciones de manera intuitiva tomando en cuenta las condiciones que lo rodean aunque no pueda prever con exactitud el camino que tomará su participación.

Mi relación con el paisaje es hacia algo que no puedo alcanzar, no puedo tocar pero quisiera capturar. Estoy entendiendo el paisaje como una serie de imágenes de naturaleza que en conjunto cuentan un montón de lecciones sobre lo que somos. Mi acercamiento con la naturaleza es meramente contemplativo, me inclino más por entender imagen que estos lugares arrojan que por su composición material.

Icicle Spiral (Treesoul) - Andy Goldsworthy – Dumfriesshire, Scotland – After 1985

Sus intervenciones se exponen a la aceptación o al rechazo de la naturaleza, en algunas ocasiones son destruidas y en otras acogidas como parte del lugar, lo que hace evidente esas fuerzas y formas invisibles que dan estructura a lo natural. La experimentación con estos fenómenos le permiten reafirmar el lugar o como dice él "se siente como si tocaras el corazón del lugar".


La inquietud por hacer evidente las formas y las fuerzas de la naturaleza es algo que comparto con este autor, aunque en mi caso me interesa hablar de estas desde la apropiación de estos modelos hechos por la humanidad  para la expansión de nuestra realidad tanto física como abstracta. Como si la naturaleza fuera nuestra maestra creadora.

Sticks - Andy Goldsworthy 1987 

Andy Goldsworthy, Red Cairn

Su ideal sobre trabajar con el tiempo se traduce en la escultura y la fotografía, por un lado tiene un proceso largo de observación y creación y por otro la capacidad de encapsular ese lapso en una imagen fija. En su obra también esta presente un interés por conocerse a si mismo mientras conoce el lugar, le parece importante trabajar en su lugar natal donde le es más evidente el paso del tiempo.

Prefiero pensar en movimiento que en tiempo. Quisiera transmitir la sensación de viaje sobre la naturaleza, como si fuese un recorrido mental sobre las formas de las hojas, los colores cambiantes de las nubes; un movimiento nuestro más que de los elementos en sí. Quisiera capturar esa perfección que entiendo como una lección para mi propio desenvolvimiento como ser humano.

Year of the glitch

Year of the Glitch es un proyecto de Phillip Stearns en el que explora varias manifestaciones de los glitches ( intencionales y no-intencionales) producidos por sistemas electrónicos.
Cada día trae una imagen nueva!2C video o archivo de audio de determinado rango de fuentes: cámaras preparadas, dispositivos de captura de video, interfaces electrónicos, scanners, archivos manipulados o corrompidos, cds dañados, transimisiones digitales interrumpidas, etc.
Estas imágenes no se constituyen de cosas 'rotas' si no de la apertura a otros mundos latentoes en la tecnología que nos rodea.

Relacionado con este proyecto, Stearns crea glitches tejidos mediante un proceso de costura mecanizado.

Thomas Ruff

Thomas Ruff es un fotógrafo alemán quien comenzó trabajando con paisajes y retratos.

En 2003 publicó una colección fotográfica "Desnudos" las cuales están basadas en pornografía de internet, las cuales fueron procesadas sin la ayuda de `ispositivos fotográficos, fue un proceso digital desde la obtención de fuentes, manipulación e impresión. El resultado fueron imágenes que por medio blur borraban las diferencias entre la pornografía y los desnudos formalistas de la fotografía. También modifica el tamaño de las imágenes exponendecialmente, cada imagen pierde su referencia, estableciendo como prioridad su valor formal y estético. <+div>

En 2009 the Aperture Foundation en Nueva York publicó JPGES, un libro de gran escala exclusivamente de sus engrandadas imágenes pixeleadas comprimidas usando el formato JPEG. En su Substrat series (2002-03) se basa en imágenes tomadas del anime y explorara la alteración de éstas. Sin embargo, el material es tan alterado que se convierte en una abstracción de colores y formas sin reminiscencias de la imagen original.

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Ruff utiliza jpeg como una de sus herramientas guardado y reguardando imágenes con altos niveles de compresión hasta conseguir la estética deseada, sin embargo su tema no es el JPEG.

Cory Arcangel

Cory Arcangel remueve el dinamismo del juego.

VIDEOSTILLS de Pipilotti Rist

Ken Golberg (EUUU)
1995
"Telegarden"
Telegarden es una instalación que permite a los usuarios de Internet contemplar e interactuar con un jardín remoto que está repleto de plantas vivas. Los miembros tienen la posibilidad de plantar, regar y monitorizar el progreso de las semillas mediante el uso a distancia de un brazo robótico industrial.
Los elementos físicos de Telegarden fueron instalados en el Ars Electronica Center en Linz, Austria, salvando las diferencias entre el espacio virtual del Net art y el espacio físico de la galería. La obra estuvo disponible en la red durante nueve años, y solamente en el primer año más de 9000 miembros ayudarán a cultivar el jardín.






As media theorist Peter Lunenfeld writes: "In linking their garden to the World Wide Web and creating an intuitive interface for the control of the arm and camera, the artists transformed what most would consider a fit of over-engineering into a subtle rumination on the nature of the Commons"

Marie Sester (Francia)
2003
"ACCESS"

Access es una instalación interactiva que proyecta un rayo de luz en aquellos que pasen debajo de su ojo electrónico. Sester utiliza tecnología de reconocimiento de imagen para identificar figuras individuales, distinguiéndolos de la multitud y siguiéndolos mientras se mueven.
Se utilizan técnicas de marcaje óptico para seguir al usuario fotograma a fotograma. Un sistema de ondas acústicas emite voces susurrando que sólo la persona rastreada puede escuchar.
Access nos remite a los reflectores que supervisan las cárceles así como a los enfoques en las presentaciones teatrales.

LED Pixel Cloud, London

A three-dimensional matrix of 624 globes, each fitted with 24 LEDs, provides a compelling lighting scenario in the atrium of law firm Allen & Overy’s office building in Bishops Square, London, which was designed by Foster and Partners.
The concept and design of the “Pixel Cloud” was developed and produced by the Jason Bruges Studio in London, together with Ledon Lighting, the Zumtobel subsidiary, which supplied the unique LED luminaires.

The Pixel Cloud extends over eight floors and 624 milky-white polycarbonate globes, each with a diameter of 120 mm, combine to form a three-dimensional network. Each of eight parallel high-gloss-polished stainless steel sections supports three arms that each carry 26 globes. The globes are fitted with 24 LEDs and are individually controllable. Inside the globe, a dodecahedron (12-sided solid)-shaped flexible circuit board ensures each globe is uniformly illuminated. The system provides 8-bit resolution in the primary colors red, green and blue. Every globe is individually controllable thanks to specially developed software. Real-time color and light updates perpetually change the three-dimensional LED lighting installation’s appearance.

Jason Bruges Studio has adjusted the spacing of the Ledon globe matrix so that it matches the grid of the façade designed by Foster and Partners. The internal glass façade is transformed by changes in color and light. One bar at a time lights up, bringing the outdoor lighting mood indoors, from top to bottom, sharing it with those working in the offices.
via: ledsmagazin.com
This project has been shown at the Media Facades Exhbition Berlin 2008 and was published in the Exhibition Companion

Golan Levin makes art that looks back at you | Video on TED.com

Golan Levin makes art that looks back at you | Video on TED.com

Golan Levin

El artista que me llamó más la atención fue Golan Levin creador de Flog, en la que expone su trabajo y el de sus colaboradores. Su trabajo abarca performances, instalaciones, artes gráficas y proyectos on line.
Me interesan principalmente las piezas intectativas tipo net.art, ya que sólo por medio de la intervención de usuario (aveces inconsciente) pueden ser concebidas. También me gustó el trabajo de Ken Perlin en tanto a que la presentación de sus trabajos es sencilla y fácil; antes de darte cuenta ya has clickeaste en todos los links.
Entre las obras de Golan Levin, se encuentran las siguientes:

"Axis (2002) is an interactive applet driven by a simple database of arcane sociopolitical factoids. The project allows its users to connect three countries into a conceptual "Axis" defined by their common properties in this database. ."

The Secret Live of Numbers (2002) is an interactive data visualization and online artwork, commissioned by Turbulence.org. An exhaustive empirical study was conducted to determine the relative popularity of every integer between zero and one million. The resulting information exhibits an extraordinary variety of patterns which reflect our culture, our minds, and our bodies—forming a numeric snapshot of the collective consciousness. In The Secret Lives of Numbers, these analyses are returned to the public in the form of an interactive visualization, whose aim is to provoke awareness of one’s own numeric manifestations.

Alphabet Synthesis Machine (2001) is an interactive online artwork which allows one to create and evolve the possible writing systems of one’s own imaginary civilizations. The abstract alphabets produced with the software can be downloaded as TrueType fonts, and are entered into a comprehensive archive of user creations. The products of the Alphabet Synthesis Machine probe the liminal territories between familiarity and chaos, language and gesture.

Escogí estas obras porque me parecen buenos ejemplos en los que se utilizan metáforas que no podrían ser expresadas con otros medios.

"¡Nos encontramos sobre el promontorio más elevado de los siglos!... ¿Porqué deberíamos cuidarnos las espaldas, si queremos derribar las misteriosas puertas de lo imposible? El Tiempo y el Espacio murieron ayer. Nosotros vivimos ya en el absoluto, porque hemos creado ya la eterna velocidad omnipresente..."

extracto del Manifiesto Futurista italiano de Marinetti (1909)